1. 求論文：中國傳統圖案融入現代標志的意義
中國傳統圖案融入現代標志的意義
摘要：現代標志設計作為標識符號，反映著民族、國家、地域等不同的特徵。我國傳統圖案藝術源遠流長，如何運用我國寶貴的文化遺產為現代標志設計服務，使我國的現代標志與傳統圖案能更好的結合、繼承。
關鍵詞：傳統圖案 現代標志設計 形 意 神
正文：傳統是文化的沉積，沒有文化的長期積累和傳承，就不可能有今天的文明。我國傳統圖案藝術源遠流長，發展到今天已有幾千年的歷史。早在文字誕生之前，人們就開始使用圖案符號來傳達思想與溝通感情，如新石器時代的彩陶紋與刻繪在崖壁上的岩石刻等等，這一些不僅記載下了人類最初對自然界的理解與認識，同時也成為了人類最早的圖案藝術。中國的圖案藝術不僅起源早，而且不斷得到發展，雖然時快時慢，但從未中斷，如商代青銅器上的饕餮圖案；春秋戰國時期的蝌蚪文、梅花篆；漢代漆器上的鳳形、唐代的寶相花紋以及後來出現的金文形態等。中國傳統圖案資源是極為豐富的，它們在自己的發展和演變中，既有一以貫之的脈絡，又有多姿多彩的風貌，它們以其多樣而又統一的格調，顯示出獨特、深厚並富有魅力的民族傳統和民族精神。這些圖案隨著時間的推移、歷史的發展而不斷的沉澱、延伸、衍變，從而形成中國特有的傳統藝術體系，這一體系凝聚了中華民族幾千年的智慧精華，同時也體現出了華夏民族所特有的藝術精神。如何運用我國寶貴的文化遺產為現代標志設計服務是值得探討的……
現代標志設計是一種特殊文字或圖像組成的大眾傳播符號，它的基本功能是以圖案傳達信息，表現其內在的質量、特點，而以之作為溝通的媒介。標志設計的過程是一個將創意視覺化、符號化的過程，思維根據設計意象對圖案進行挑選、變換、組合，將圖案進行有機的關聯、編碼，使之形成特定的符號系統。它借鑒和運用原始圖案，並賦予原始圖案以更高的藝術價值。現代標志設計是人類文明高容量的載體，是人類文化的縮影。縱觀歷史，從原始社會的記號到圖騰，從商周的象形符號到秦漢的印章，再從唐宋的幌子到明清
的洋化標志，標志的這些變化無不體現了當時整個社會的歷史文化狀況。我們在進行現代標志設計時可以借用那些具有象徵意義的原始符號來體現某種意趣、情感和思想；或者將原始符號的某些元素進行變化、重組和出新，使其具有傳統的形似和神韻，又有現代設計的意味；或是將傳統圖案滲透於現代標志設計的方法之中，進而體現出某個地區、某個民族的氣質、精神和理念。
現代標志設計就是在方寸之間盡顯無盡的意趣和思想，在交流與交換中傳達出很強的符號性和象徵意義。在標志設計中，對傳統圖案的借鑒和運用不能理解為簡單的修飾加工和復制拼湊。取其「形」自然不是簡單的照抄照搬，而是對傳統造型的再創造。這種再創造是在理解的基礎上，以現代的審美觀念對傳統造型中的一些元素加以改造、提煉和運用，使傳統圖案不斷延伸、衍變，從而得到自己想要的圖案；或者把傳統造型的造型方法與表現形式運用到現代設計中來，用以表達設計理念，同時也體現民族個性。中國的現代設計藝術要走出一條自己的路子，必然是建立在中國的傳統基礎之上的，香港的一些著名的設計師成功之路就充分地說明了這一點。然而，繼承並不意味著拘泥，幾千年的文明史固然給我們留下了一個多姿多彩的藝術寶庫，但一味沉迷在傳統的襁褓里，在我們的設計中單純的奉行「拿來主義」，沒有新鮮血液的注入，將會導致民族傳統藝術發展的停滯，最終只能使我們的時代留下大批的古董拷貝，而無設計可言。
對傳統的繼承是必然的，而我們該如何繼承呢？這首先需要我們對中國傳統造型藝術做一個深層次的考量，我們可以從「形」、「意」、「神」三個方面來進行分析和運用。
形，即從中國傳統圖案中汲取他的造型方法。 標志設計不僅是實用物的設計，也是一種圖案藝術設計。它與其它圖案藝術表現手段既有相同之處，又有自己的藝術規律。為使標志在視覺上富有美感，要充分發揮標志特有的表現手段。如打散、切割、錯位、變異、諧音、一形多義、正負形反轉、負形的利用、追求圖案的完整、運動感、多用曲線、散點透視等，以及使用借筆、借形的技巧，除了開發內涵之外，在形式感上形成良好視覺美感以及合理的空間、合理的比例、合理的虛實。在合理運用現代標志設計的審美觀後再對傳統圖案中的元素加以改造、提煉、運用，使其富有時代特色。在標志設計過程中，我們應該對形加以重視和運用。正如陳漢民先生說所講：「重視標志的作用和提高標志設計水平畢竟不是一回事。任何比喻和象徵都不是比喻物本身，但是它形象化了，而且在一定程度上更深化了內涵。」所以說，在標志設計中，如果缺乏特色，形象平凡，只是圖案和文字的拼湊，就談不上形象化和深化內涵了，也就出不了好作品。中國傳統圖案是植根於中國民族性、地域性的傳統藝術淵源中的，他們與現代圖案的造型方式有著許多不同的地方。
2. 求中國山水畫的傳統與成就的文獻綜述
中國山水畫是中國人情思中最為厚重的沉澱。遊山玩水的大陸文化意識，以山為德、水為性的內在修為意識，咫尺天涯的視錯覺意識，一直成為山水畫演繹的中軸主線。從山水畫中，我們可以集中體味中國畫的意境、格調、氣韻和色調。再沒有那一個畫科能向山水畫那樣給國人以更多的情感。若說與他人談經辯道，山水畫便是民族的底蘊、古典的底氣、我的圖像、人的性情。
中國山水畫較之西方風景畫，起碼早了1000年。它所呈相的圖義，實際上是一部中國思想史。早在7000多年以前，先古的覺醒便以圖案方式紀錄下來。新石器的河姆渡文化，已用線刻表達著觀念性文化的內涵，定居的農耕文明起源，不僅讓人認知了工具美，亦讓人於器之上認知了形上美。藝術不但是一種征服自然的想像，還是一種征服自然想像的象徵。先古與自然一開始便用藝術的方式對活，邏輯的發現與藝術的鑒賞推演著人們的雙眼，讓一個天人合一的中國圖式由混頓而至清晰。
自仰韶文化起，人與自然的關系便具有了象徵性。在幾何裝飾的手法中，對稱、運動等構成概念己明顯地運用於時空的表現之中。特別讓人感動的是《稷神祟拜圖》。在以農立國的背景上，祭祀稷神一直成風。而這幅圖中的禾、田、人的關系傳達了先祖對生命意義的一種素樸理解。在沉澱了人與動物、植物的自然關系認知的基礎上，社會意識又成為最為關鍵的文明起源。滄源文化的《村落圖》，用岩畫形式記述了人類對農耕定居的「家」的理解。這幅畫最有視覺趣味的是以村落為中心的道路關聯，以及押俘、趕畜、祭天、跳神等場面圍繞正面中心的梯度延深，平面中的深度己在這幅畫中得到有力的體現。人與自然的關系，人與社會的關系，就這樣拌隨著藝術的看，不斷地深化與發展。
到了秦漢時期，描繪勞動生活的場面，由鄉土而至皇權，殿堂宮室的壁畫成為時代的主流。這種以宮室喻家室的認信取向，使中國美術擺脫了原始形態。統治階級士大夫文化開始佔主導地位。士者文化實現了與鄉土文化的分離。對於山水畫而言，這一分離是深刻的。若我們認真研究一下曲阜石刻的《庭院圖》，就會被其視錯覺創意震撼。這是兩種視覺沖突的藝術：在滿足正面的平視前題下，建築物的平移重迭與傾斜重迭構成了矛盾的主要方面，兩種不同透視法則所致生的力的碰撞，使畫面具有了超現實的立體感。有趣的是，先賢的藝術家一開始便使用了縱橫平移重迭、視線具有深度卻不消失的重迭透視法則，而且在復合視域中能將正面與傾斜兩種透視法則藝術的沖突起來。應該說這一法則較之當今的西方立體派早了近兩千年。正如本書一再所講的，祖先的聰慧絕非三言兩語可以道白，只要我們認真地憑藉科學的雙眼走入先賢的思想，我們一定會發現經學方式能告知我們的更多更多。
這種用視覺形式沖突所構成的藝術感動，在石刻畫的《春雨圖》、畫像磚的《宅門圖》、《收獲戈射圖》等等古遠經典中可以得到更為豐富的體驗。一個十分明顯的指向是，隨著人與自然、社會的認識關系的深入，人們看的方式也發生了變化，由觀念為象、裝飾為用、幾何為圖的原始圖式，演化為意志為象、生活為用、境界為圖的古典圖式。這一看的歷程，認信的積淀，山水畫構成要素的萌芽集合，都為山水畫的問世奠定了基礎。
從個體生命的角度體驗天地宇宙的永恆，體味人在此中的自由，是魏晉山水詩的開啟。謝靈運的意義就是在文的自覺時注重形的依託，從哲學的本體論出發，追求玄遠的神超理得。真正代表中國山水情懷的是陶潛。陶詩是超越玄言的哲學深刻，它沒有放棄玄言詩的宇宙本體和生命本體的體悟，並通過某種特定的媒介去捕捉和體現這種體悟的本質和意義，把它們變成一種可觸知的東西。一個有藝術的創意，就是將親身體驗到的無形結構找到形狀。山水草木在陶詩中是真意深情，是體現中國精神的哲學，是超然事外，是平淡中和。
顧凱之《洛神賦圖》局部 現今，用「確立」二字來正名山水畫的眾說是顧凱之的《洛神賦圖》和《女史箴圖》。在這類摹本的分析中，我們可以看到峰、石、雲、水、樹的復雜表現。這位「發前人所未發，開後人之師承」的藝術家，第一次將山水搬上了中國美術的表現舞台，他的《畫雲台山記》可算山水畫論的開山之作。雖然文題中心是趙升捨命從師的故事，但其環境刻劃部分卻成為中國山水畫的後來觀照。
這一模板作用的確立，主要源於以下幾點：
a . 山有受光面、背影，水有倒影，祥雲可成為東與西的重要觀照，水天的「空青」可托出有太陽的天氣。
b . 按照東西的順序排置遠近山峰，營造一個高峻險絕的境地。
c . 中段布局主要講求取勢的「對峙」，具有相對意義。
d . 東、西、中三段山要用「緊湊性」將長卷關聯起來。在山的三分之一以上部位，做清氣使之分為兩重。
顧氏的理論之所以重要，在於他提出了行雲流水的線性形狀，鳥瞰呼應的重迭形式，三段山、三分位的空間模式。
被稱為中國第一篇山水畫論的是宋宗炳的《山水畫序》。宗氏提出了著名的透視法則：「豎畫三寸，當千刃之高；橫墨數尺，體百里之遠」。與宗氏同代的王微，亦是縱情丘壑的人物，他在《敘畫》中提出了「望秋雲，神飛場；臨春風，思浩盪」的怡情說，和「一管之筆，擬太虛之體；以判軀之狀，盡寸眸之明」的尺幅千里說。可以講，至魏晉以降，中國山水畫的遠取其勢、近取其質的核心認信已確立了邏輯起點，而空間視覺原則也得以邏輯的深化。
3. 中國傳統文化龍鳳紋樣的資料
中國人被稱為「龍的傳人」，龍與鳳的形象在人們的擬想中發展完善並流行了數千年。在中國傳統服飾文化中，龍和鳳是中華民族服飾中最富有浪漫色彩的紋樣，積淀了中華五千年的民族文化與精神。龍鳳的形象也是經久不衰，形成了獨特的藝術風格和表現形式，並具有深刻的文化內涵。
參考文獻：http://cache..com/c?m=28&p=8639c64ad38c11a05fe6cd241e53&user=
我只是把網路快照上的地址復制過來了，「cache..com/c?」後有空格記得刪掉，復制到地址欄中，別直接點。
4. 中國傳統文化論文參考文獻
淺談佛教藝術中飛天形象的變遷【摘要】飛天是佛教藝術中的重要形象之一，其形象隨佛教藝術的產生和發展廣泛傳播，並隨佛教從印度傳播到中國，在這個過程中漸漸脫去印度藝術風格，糅合進中國的藝術特色。【關鍵詞】佛教藝術飛天形象的變遷。飛天是佛教藝術中多見的藝術形象，以輕快優美的動態和流轉飄動的舞姿吸引觀眾。飛天出現在經變、佛傳等故事壁畫中，一般分布於佛教石窟窟頂、壁面上方，以及佛像的背光之中。佛經中沒有對飛天進行正式的記錄，沒有明確出現過「飛天」這個詞語。關於這種現象，通常的看法是，「飛天」並不是一個佛教的詞彙，而是一種世俗的稱謂。關於飛天形象所包含的人物內容，有多種不同觀點，最早正式提出「飛天」名詞的是日本學者長廣敏雄。長廣敏雄在1949年出版的《飛天藝術》中正式提出這個名詞，是學術意義的角度上系統探討飛天藝術的開端。長廣敏雄認為佛經中「飛天」所描述的形象，總的來說是佛教諸天形象，而在佛教藝術中，飛天的形象大部分與演奏音樂和表現歌舞有關。在佛教諸神中，乾闥婆和緊那羅是音樂神，在佛說法時以音樂來供養佛，即凡是諸天舉行法會，都是他們擔任奏樂的工作，所以佛教藝術中的飛天形象通常以乾闥婆及妻子阿卜莎羅以及緊那羅的形象來表現。除此之外，還有其他在不同方面有不同差異的觀點。如認為「廣義的飛天，包括飛行無礙的諸天神，如侍從護法、歌舞散花、供養禮贊佛、帝釋天等等。狹義的來講，則是乾闥婆、阿卜莎羅、緊那羅、歌舞散花供養禮贊佛、菩薩，凌空飛舞的天神等。」在關於飛天形象的描繪范圍上，把飛天確認為乾闥婆、阿卜莎羅和緊那羅的觀點影響較廣。但無論是古代傳說，還是佛教經典的記述，都能看到佛本生故事、佛傳故事以及佛說法的場景中有諸天人、天女歌舞供養。當用藝術手法表現這些記述時，就是我們看到的飛天，其中自然包括乾闥婆、阿卜莎羅、緊那羅的形象，但很明顯，飛天所代表的形象不僅僅局限於此。因此以乾闥婆、緊那羅的形象來認識飛天所象徵的人物相對便利，而用「佛教諸天」來理解飛天所代表的廣泛含義更加准確。印度的佛教藝術在很早的時候就有了飛天的形象，例如巴爾胡特佛塔的浮雕、桑奇大塔的佛經故事中。巴爾胡特佛塔的兩片浮雕描述的是凡人禮拜佛塔的畫面，這一時期還沒有出現佛陀的形象，而以佛塔、菩提樹或者佛座來象徵佛，在表現供養或者禮拜佛塔的場景里，往往在佛塔或者菩提樹之上雕出飛天形象。馬拉圖雕刻中，飛天出現在佛說法的場面，並有了較規范的表現，在佛尊上部，佛光外圍的兩側各有一身飛天。公元1世紀，出現了最早的佛陀形象，2世紀到5世紀的馬拉圖雕刻中，飛天所環繞的形象也表現為佛陀的形象。這時候的雕刻技法也有了進步，以體型大小差異來表示不同人物的地位，飛天形象在畫面中以較小的體型表現。馬拉圖的雕刻是在深度空間中表現人物排列的前後順序，而相對小的體型和在佛光外圍的布局也可以顯示出飛天飛動的高度，人物排列方式顯示出更加生動真實的空間感。阿旃陀石窟是印度佛教藝術品內容最為豐富的石窟之一，石窟群內的飛天形象既出現在雕刻中，也出現在石窟的壁畫中。阿旃陀石窟中的飛天場景基本沿襲馬圖拉雕刻的範式。飛天形象肢體刻畫得像可愛的小孩，配以較大的動作，身形生動，服飾以較短的飄帶體現飛動的感覺。阿旃陀石窟不僅有單身飛天，還出現雙身飛天的對稱表現。這種雙身飛天並不出現在每身佛尊的上方，而是出現在相對更莊重的佛說法場面中。雙飛天形象大多裸體，或僅有飄帶纏身，特別突出女性的胸部和臀部，這種豐潤圓滿的表現是印度佛教藝術的特徵之一。阿旃陀壁畫中的飛天多集中在窟頂圖案中。一般在方形單元內，中央圓形圖案與外側方形之間的夾角中，有單身的天人，也有男女成組的天人。多用暈染法，人物效果真實，男女成組的飛天形象依偎，好像一對戀人。壁畫中的飛天形象大都看不出飛行的姿態，更像坐在地上。埃洛拉石窟也存有有豐富的飛天形象，大都是男女成組，表現歡樂騰飛的姿態。在第10窟外的門楣兩旁，有兩組飛天對稱向中央飛來。此處不同之處在於，飛天既不是單身，也不是雙身，而是各有兩女一男共三身飛天，形象依然裸體，女性飛天上部有刻劃為弧形的飄帶。隨佛教東傳，飛天形象伴隨佛教藝術傳入中國。傳播的過程中，受到中國神仙思想影響，飛天與中國式神仙逐漸結合，形象更加飄逸。佛教中諸天形象，如龍神、乾闥婆、人頭鳥身的緊那羅、阿修羅、迦樓羅等形象特徵都逐漸難見，演變為飛行於天空的人形。在組合形式上，飛天保持著來自印度的因素，既有單身飛天、雙身飛天，也有多身飛天，一部分保持對稱的格局，同時出現不完全對稱的變化。龜茲石窟中的飛天圖像是石窟壁畫中的主要內容之一，比重大大增加。飛天本身沒有承載深厚的內容，卻在氣氛的渲染中起重要作用。龜茲石窟飛天圖畫出現在主室正壁、後室券頂處較為重要和面積較大的壁畫中。形體比例明顯增大，多呈V字形彎曲。龜茲飛天形體的力量構成畫面中的渾重氣勢，如克孜爾1窟後室券頂飛天，雖然券頂較低，但飛天與真人尺寸相同。龜茲飛天的姿態可分兩種，一種是飛天雙腿坐奔騰跳躍的動作，是一種舞蹈化了的運動動作；另一種是飛天動作中雙腿動態幅度較少，整個形體的飛動感主要靠腰部的動態變化體現。在飛天的服飾中，龜茲飛天較少使用飄帶傳達飛動的效果，而是由人物動作呈現雄渾躍起的狀態。伎樂飛天形象大量出現，在空中持各種樂器，強化了龜茲石窟濃郁的樂舞氛圍。敦煌石窟是中國佛教藝術的寶庫，留存有最豐富的飛天藝術。敦煌北涼272窟的南北壁說法圖，有對稱的雙飛天，北魏254、260等窟至北周428窟說法圖中在佛上部出現對稱的雙飛天。繪畫依然採用凹凸畫法，人體豐滿程度低於印度繪畫。從西魏開始，受中原風格影響，飛天多為結隊飛行，如285窟南壁共12身飛天，排成一行隨流動的雲朵而輕盈飛翔。出現在同一場面的飛天數目呈增長趨勢，如北周和隋代，常在窟頂相連的地方，繪一周飛天；隋代佛龕擴大，佛像的上部，也畫出大量飛天，如412窟的佛龕，飛天多達20多身；這種情況一直延續到唐，如初唐321窟中，在象徵天空的藍色背景中畫出成群的飛天。雲岡北魏7、8窟，窟內頂部藻井部分的飛天，兩兩緊身相靠，行動一致，使人聯想到印度男女飛天組合的形式，但此處無明顯男女差異。類似的還有敦煌北周428窟。飛天從形象到服飾，從數量到布局的變化可簡要歸納為以下幾點：1.人物身體描繪上由豐滿逐漸轉向俊逸；動作由較為僵硬機械逐漸轉向流暢婉轉。印度佛教藝術中裸體的女性飛天形象在中國基本消失。2.人物服飾由裸體纏裹飄帶轉為衣裙伴以飄帶，衣飾刻畫由較死板的刻畫發展為生動的飄動。這些繪畫技法的提升與中國畫技法發展緊密相連，例如唐代飛天飛舞的飄帶，明顯給人「蒓菜條」技法的印象。3.飛天形態由散花發展為舞蹈、伎樂等多種供養形態。4.飛天組合由單身飛天、雙身飛天發展為多身飛天，成群的飛天，表現效果更加輝煌。5.總體來說，無論是人物身體、服飾或是動作、表現場面，都是由簡單發展為繁復而華麗。飛天在中國，其數量遠超過印度，飛天在中國的變遷反映了中印兩國審美精神的差異。印度所欣賞的注重肉體感官之美的形態在中國幾乎消失殆盡，而代以自魏晉以來對神仙境界的追求，在形式上則追求流動飄逸的美。中國畫的流暢舒展的線條美在飛天身上淋漓盡致的表現，也是中國藝術所追求的目標之一。參考文獻：[1]王志強《美術大觀》2007.10自由飄灑話飛天--佛教藝術形象解析。[2]陳劍《藝術探索》2007.21（2）飛天的美學意蘊。[3]師娟《莫高窟藝術中「飛天」的本土化研究》。
5. 求中式室內設計的參考文獻
提供一些中式室內設計的參考文獻，供參考。 [1] 許林. 談現代室內設計中的中式風格[J]. 甘肅農業, 2005,(11) . [2] 仲曉凱. 淺析室內設計中的中國傳統元素[J]. 江西科技師范學院學報, 2007,(04) . [3] 潘振寰. 中式風格室內設計初探[J]. 室內設計, 2004,(03) . [4] 陳祖建. 現代"中式"室內風格[J]. 室內設計, 2003,(04) . [5] 張懷強. 居室設計中的中國元素[J]. 東方藝術, 2005,(12) . [6] 馮頎軍. 淺談室內裝飾設計中的中式元素和傳統意境表達[J]. 美術大觀, 2007,(12) . [7] 周玉明. 室內設計市場現狀與現代中式設計構思[J]. 商場現代化, 2007,(24) . [8] 白志剛. 室內設計中的中國元素[J]. 藝術教育, 2006,(03) . [9] 王鵬. 精神上的中式風格[J]. Women of China(中文海外版), 2003,(04) .
6. 中國畫的參考文獻
國畫的簡介
中國畫，簡稱"國畫"，它是用毛筆、墨和中國畫顏料在特製地宣紙或絹上作畫，題材主要有人物、山水、花鳥，技法可分工筆和寫意兩種，富於傳統特色。
從美術史的角度講，民國以前的國畫都統稱為古畫。中國畫在古代無確定名稱，一般稱之為丹青，主要指的是畫在絹、宣紙、帛上並加以裝裱的卷軸畫。近現代以來為區別於西方輸入的油畫（又稱西洋畫）等外國繪畫而稱之為中國畫，簡稱「國畫」。它是用中國所獨有的毛筆、水墨和顏料，依照長期形成的表現形式及藝術法則而創作出的繪畫。
中國畫在思想內容和藝術創作上，反映了中華民族的社會意識和審美情趣，體現了中國人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。中國畫強調「外師造化，中得心源」，要求「意存筆先，畫盡意在」，強調融化物我，創制意境，達到以形寫神，形神兼備，氣韻生動。由於書畫同源，以及兩者在達意抒情上都和骨法用筆、線條運行有著緊密的聯結，因此繪畫同書法、篆刻相互影響，形成了顯著的藝術特徵。作畫之工具材料為我國特製的筆、墨、紙、硯和絹素。近現代的中國畫在繼承傳統和吸收外來技法上，有所突破和發展。
[編輯本段]國畫的起源
中國畫，起源古，象形字，奠基礎；文與畫，在當初，無歧異，本一途。.我國夙有書畫同源之說，有人認為伏羲畫卦、蒼頡造字，是為書畫之先河。文字與畫圖初無歧異之分。
陶器是新石器時代的產物，陶器分黑陶、白陶和彩陶。在新石器時代重要遺址西安半坡村出土的彩陶上，畫有互相追逐的魚，跳躍的鹿。甘肅永靖出上的一件摹擬船形的陶壺，使我們如身處岸邊，情景歷歷；還有青海大通上孫家寨發現的舞蹈彩盆上，繪有三組五人攜手踏歌圖，表現出青春的活力。它是研究中國畫史的根源。在新石器時代的晚期，辛店和龍山諸文化遺址中，發現了我國最早的青銅器，它是器物，又是工藝美術品。常見的青銅器飾紋，有晏吞紋、雲雷紋、夔紋、龍紋、虎紋等，也有用人體作為裝飾的花紋。雙夔合成的容谷紋，尾部多上卷，極富美觀。蹈紋彩陶盆
青銅器物上的裝飾畫，主題約可分為兩類，一是描寫貴族生活中的禮儀活動，如宴樂、射札、表祭等：一是描寫水陸攻戰等。如趙固出土的《刻紋銅鑒》，集中表現了貴族生活的儀禮活動。另一類是描繪水陸攻戰的圖象，以山彪鎮出上的《水陸攻戰紋鑒》為代表。其他百花潭銅壺，故宮《宴樂銅壺》都有表現戰爭景象的圖畫。這些畫幅中，有水陸交戰、堅壁防守、雲梯攻地等情節。還有描繪水戰、陸戰的陣勢中，表現了沖鋒擊殺攻堅的細節。士兵有的執劍和戟，有的持戈和矛等，形象生動。這些藝術手法，給漢畫石刻、磚刻以很大的啟發和影響。
[編輯本段]國畫的發展
國畫發展的基本歷史進程
侯子墓帛畫(西漢)中國畫歷史悠久，遠在2000多年前的戰國時期就出現了畫在絲織品上的繪畫——帛畫，這之前又有原始岩畫和彩陶畫。這些早期繪畫奠定了後世中國畫以線為主要造型手段的基礎。兩漢和魏晉南北朝時期，社會由穩定統一到分裂的急劇變化，域外文化的輸入與本土文化所產生的撞擊及融合，使這時的繪畫形成以宗教繪畫為主的局面，描繪本土歷史人物、取材文學作品亦佔一定比例，山水畫、花鳥畫亦在此時萌芽，同時對繪畫自覺地進行理論上的把握，並提出品評標准。隋唐時期社會經濟、文化高度繁榮，繪畫也隨之呈現出全面繁榮的局面。山水畫、花鳥畫已發展成熟 ，宗教畫達到了頂峰，並出現了世俗化傾向；人物畫以表現貴族生活為主，並出現了具有時代特徵的人物造型。五代兩宋又進一步成熟和更加繁榮，人物畫已轉入描繪世俗生活，宗教畫漸趨衰退，山水畫、花鳥畫躍居畫壇主流。而文人畫的出現及其在後世的發展，極大地豐富了中國畫的創作觀念和表現方法。元、明、清三代水墨山水和寫意花鳥得到突出發展，文人畫成為中國畫的主流，但其末流則走向因襲模仿 ，距離時代和生活愈去愈遠。中國畫自19世紀末以後在近百年引入西方美術的表現形式與藝術觀念以及繼承民族繪畫傳統的文化環境中出現了流派紛呈、名家輩出、不斷改革創新的局面。
19世紀以後，在政治、經濟（特別是商業、文化發達的上海、北京（含天津）、廣州等中心城市，匯聚了一大批畫家，即以上海為中心的江浙畫家群，如任頤、虛谷、吳昌碩、黃賓虹、劉海粟、潘天壽、朱瞻、張大千、傅抱石、錢松喦、陸儼少等人；以北京為中心的北方畫家群，如齊白石、陳師曾、金城、陳半丁、王雪濤、李苦禪、蔣兆和、李可染等；以廣州為中心的嶺南畫家群，如高劍父、高奇峰、陳樹人、何香凝、趙少昂、關山月、黃君璧等人。隨著形勢的變化和時代的更迭，上述地區的畫家亦有流動，如抗日戰爭時許多畫家來到西南地區，1949年後又有許多畫家如張大千、黃君璧、趙少昂等人移居國外和港台地區。今全國大多數省市成立了畫院，在3個中心之外，又出現了許多新的中心 ，畫家隊伍空前擴大。
在現代中國畫家中，許多畫家繼承並堅持傳統繪畫的基本模式，他們或以模仿、傳承前代畫家技巧、風范為原則，或在繼承傳統的同時，力圖變革，在保存、發展傳統的同時，形成自己的風格。前者有金城、顧麟士等人，後者以齊白石、黃賓虹、潘天壽等人為代表。
自五四新文化運動以後，隨著西方美術的大量引入和反封建斗爭的深入，改革中國畫成為新的時代潮流。以留學日本、歐美的高劍父、高奇峰、劉海粟、徐悲鴻、林風眠等人為代表，倡導將西方美術的寫實及近代西方美術的創作觀念與傳統的中國畫像融合，走出了一條改革、創新中國畫的新路子，使傳統的中國畫煥發了新的生機。其中高劍父、高奇峰等嶺南畫派畫家，提倡折衷中外，融合古今，將日本畫法與傳統的撞水、撞粉法和沒骨法相糅合，創造出了一種雄勁奔放、具有時代感的新風格。徐悲鴻將西方繪畫的寫實手法融入傳統的筆墨之中，豐富了中國畫的表現性。林風眠則調和中西，並汲取民間美術的質朴與剛健，形成了自己意境深邃，形式新穎的獨特風格。另外，陳之佛將中外裝飾藝術中的色彩融入工筆花鳥畫的創作，張大千借鑒西方抽象表現主義的某些手法，創出潑彩畫法；李可染受西方畫寫生的啟發，直接對景寫生對景創作；吳冠中用中國畫的工具材料和西方現代藝術的形式、觀念等表現中國畫傳統的詩情與境界等等，均取得了重要成就。
隨著時代的變遷，中國畫由過去士大夫和貴族娛樂自賞的貴族藝術轉向為「民眾的藝術」，由過去的象牙之塔，走向十字街頭。使中國畫在題材內容上產生了深刻的變化。畫家們將視角投向社會現實，創作了一大批具有時代特徵的優秀作品。
20世紀中國畫的創新與繼承
1919年爆發的五四運動，高舉起了反對封建文化的新文化運動大旗。在美術領域，主張革新的美術家們紛紛響應新文化運動的號召，通過變革傳統中國畫來創造新的，適應時代需要的新美術。在這一變革過程中，一部分美術家積極引進西方美術的寫生，寫實方法，在世紀初形成了學習西方繪畫，興辦美術學校的熱潮。「寫實改造中國畫」，主要針對明清時期文人墨畫模擬古人筆法，缺少新的創造而進行變革。以徐悲鴻為代表的寫實風格畫家與古代畫家作品的比較中，可以部分了解這種變革的特點。
【起因】
封建社會後期，舊文人畫家沉浸於對古人筆墨意趣的模仿，日益脫離與社會生活的聯系，這種因襲守舊的局面限制了畫家對時代生活和個人感情的表現。與徐悲鴻同為20世紀新美術變革開拓者的林風眠，從突破傳統筆墨程式的角度，大力提倡到自然中寫生，主張減弱「寫」的用筆方法，突出「畫」的自由表達特性，力圖在中西繪畫之間學一種新的創作道路。被推為「中西融合」的代表人物。
【改革】
20世紀力求變革的中國美術家，更加關注對描繪對形象具體形象特點的深度刻畫，更加突出對自然景物表現的個人感受。這些創新探索，與當時中國新文學創作所提倡的「白話文」，「自由體詩」一樣破舊立新，開辟了與五四新文化精神相呼應的中國新美術變革的道路。
20世紀20～30年代，畫家們對中國畫的革新與發展，展開了論爭。如康有為提出「以復古為革新」、「合中西而為畫學新紀元」的主張；徐悲鴻主張「古法之佳者守之，垂絕者繼之，不佳者改之，未足者增之，西方畫之可采入者融之」；劉海粟提出要「發展東方固有的美術，研究西方藝術的精英」；林風眠主張「調和中西藝術，創造時代藝術」；陳師曾對文人畫的特質和意義作了肯定分析和回答；林紓則反對革新，號召人們鄙棄「外洋新學」，唯以「古意為宗」；金城則極力主張：「宣聖明訓，不率不忘，衍由舊章。」40年代末和50年代，人們圍繞著素描是否可作為中國畫造型的基礎，以及如何看待筆墨技巧、看待各種新國畫等問題展開了一場討論。80年代中期，又圍繞著在改革、開放和現代急劇變化的社會環境中，如何革新中國畫以適應時代的審美需要的問題，在理論和實踐上展開了深入的探討。
【新時代】
具有千年傳統的中國畫，經過20世紀的變革歷程。在「中西融合」與「借古開今」兩大創新追求的推動下，產生了歷史上前所未有的豐富多樣的新風格，以獨特的現代品格立於當代世界美術藝術之林。
[編輯本段]國畫的分類
【國畫分類概況】
古代國畫分科之說法
畫分十門
中國畫名詞。中國畫的分科，唐代張彥遠《歷代名畫記》分六門，即人物、屋宇、山水、鞍馬、鬼神、花鳥等。北宋《宣和畫譜》分十門，即道釋門、人物門、宮室門、番族門、龍魚門、山水門、畜獸門、花鳥門、墨竹門、蔬菜門等。南宋鄧椿《畫繼》分八類（門），即仙佛鬼神、人物傳寫、山水林石、花竹翎毛、畜獸蟲魚、屋木舟車、蔬果葯草、小景雜畫等。參見「十三科」。
十三科
中國畫術語。中國畫的分科，唐代張彥遠《歷代名畫記》分為六門；北宋《宣和畫譜》分為十門；南宋鄧椿《畫繼》分為八類。元代湯垕《畫鑒》說：「世俗立畫家十三科，山水打頭，界畫打底。」明代陶宗儀《輟耕錄》所載「畫家十三科」是：「佛菩薩相、玉帝君王道相、金剛鬼神羅漢聖僧、風雲龍虎、宿世人物、全境山林、花竹翎毛、野騾走獸、人間動用、界畫樓台、一切傍生、耕種機織、雕青嵌綠。」
當代國畫分類之說法
當代國畫在世界美術領域中自成體系。按其題材和表現對象大致可分為人物畫、山水畫、花鳥畫、界畫、花卉、瓜果、翎毛、走獸、蟲魚等畫科；按表現方法有工筆、寫意、鉤勒、設色、水墨等技法形式，設色又可分為金碧、大小青綠，沒骨、潑彩、淡彩、淺絳等幾種。主要運用線條和墨色的變化，以鉤、皴、點、染，濃、淡、干、濕，陰、陽、向、背，虛、實、疏、密和留白等表現手法，來描繪物象與經營位置；取景布局，視野寬廣，不拘泥於焦點透視；按表現形式有壁畫、屏幛、卷軸、冊頁、扇面等畫幅形式，輔以傳統的裝裱工藝裝潢之。按其使用材料和表現方法，又可細分為水墨畫、重彩、淺絳、工筆、寫意、白描等；中國畫的畫幅形式較為多樣，橫向展開的有長卷（又稱手卷）、橫披，縱向展開的有條幅、中堂，盈尺大小的有冊頁、斗方，畫在扇面上面的有摺扇、團扇等。
【國畫代表種類】
人物畫
（1）人物畫的歷史進程：
以人物形象為主體的繪畫之通稱。我國的人物畫，歷史悠久。據記載，商、周時期，已經有壁畫。東晉時的顧愷之專尚畫人物畫，在我國繪畫是上第一個明確提出"以形寫神"的主張。唐代閆立本也擅長人物畫。還有吳道子、韓斡等等。都為人物畫做出了卓越的貢獻。唐以後畫人物畫的畫家就更多了，歷代都有。
徐悲鴻的《泰戈爾像》中國的人物畫，是中國畫中的一大畫科，出現較山水畫、花鳥畫等為早；大體分為道釋畫、仕女畫、肖像畫、風俗畫、歷史故事畫等。人物畫力求人物個性刻畫得逼真傳神，氣韻生動、形神兼備。其傳神之法，常把對人物性格的表現，寓於環境、氣氛、身段和動態的渲染之中。故中國畫論上又稱人物畫為「傳神」。歷代著名人物畫有東晉顧愷之的《洛神賦圖》卷，唐代韓滉的《文苑圖》，五代南唐顧閎中的《韓熙載夜宴圖》，北宋李公麟的《維摩詰像》，南宋李唐的《採薇圖》、梁楷的《李白行吟圖》，元代王繹的《楊竹西小像》，明代仇英的《列女圖》卷、曾鯨的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及現代徐悲鴻的《泰戈爾像》等。在現代，更強調「師法化」，還吸取了西洋技法，在造型和布色上有所發展。
（2）人物畫的畫法和表現方法：
要畫好人物畫，除了繼承傳統外，還必須了解和研究人體的基本形體、比例、解剖結構，以及人體運動的變化規律，方能准確的塑造和表現人物的形和神。 畫人物有幾種表現方法，各有所長，如：白描法，勾填法，潑墨法，勾染法。
山水畫
（1）山水畫的歷史進程：
描寫山川自然景色為主體的繪畫。山水畫(俗稱風景畫、風光畫或彩墨畫)，是專門的藝術學科，歷史悠久。山水畫在魏晉、南北朝已逐漸發展，但仍附屬於人物畫，作為背景的居多；隋唐始獨立，如展子虔的設色山水，李思訓的金碧山水，王維的水墨山水，王洽的潑墨山水等；五代、北宋山水畫大興，作者紛起，如荊浩、關仝、李成、董源、巨然、范寬、許道寧、燕文貴、宋迪、王詵、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、趙伯駒、趙伯驌的青綠山水，南北競輝，達到高峰。自唐代以來，每一時期，都有著名畫家，專尚從事山水畫的創作。盡管他們的身世、素養、學派、方法等不同；但是，都能夠用過筆墨、色彩、技巧，靈活經營，認真描繪，是自然風光之美，欣然躍於紙上，其買相同，雄偉壯觀，氣韻清逸。元代山水畫趨向寫意，以虛帶實，側重筆墨神韻，開創新風；明清及近代，續有發展，亦出新貌。表現上講究經營位置和表達意境。傳統分法有水墨、青綠、金碧、沒骨、淺絳、淡彩等形式。
（2）山水畫的組成：
山水畫的組成包括：山、水、石、樹、房、屋、樓台、舟車、橋梁、風、雨、陰、晴，雪、日、雲、霧及春、夏、秋、冬氣候特徵等。
（3）山水畫主要代表：
◆ 青綠山水
山水畫的一種。用礦物質石青、石綠作為主色的山水畫。有大青綠、小青綠之分。前者多鉤廓，少皴筆，著色濃重，裝飾性強；後者是在水墨淡彩的基礎上薄罩青綠。清代張庚說：「畫，繪事也，古來無不設色，且多青綠。」元代湯垕說：「李思訓著色山水，用金碧輝映，自為一家法。」南宋有二趙（伯駒、伯驌），以擅作青綠山水著稱。中國的山水畫，先有設色，後有水墨。設色畫中先有重色，後來才有淡彩。
◆ 淺絳山水
蔡彥才淺絳山水畫山水畫的一種。在水墨鉤勒皴染的基礎上，敷設以赭石為主色的淡彩山水畫。《芥子園畫傳》說：「黃公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，淺淺施之，有時再以赭筆鉤出大概。王蒙復以赭石和藤黃著山水，其山頭喜蓬蓬鬆鬆畫草，再以赭色鈞出，時而竟不著色，只以赭石著山水中人面及松皮而已。」這種設色特點，始於五代董源，盛於元代黃公望，亦稱「吳裝」山水。
◆ 金碧山水
中國畫顏料中的泥金、石青和石綠。凡用這三種顏料作為主色的山水畫，稱「金碧山水」，比「青綠山水」多泥金一色。泥金一般用於鉤染山廓、石紋、坡腳、沙嘴、彩霞，以及宮室、樓閣等建築物。但明代唐志契《繪事微言》中另持一說：「蓋金碧者：石青石綠也，即青綠山水之謂也。後人不察，加以泥金謂之金筆山水，夫以金碧之名而易以金筆之名可笑也！」
水墨畫
中國畫的一種。指純用水墨所作之畫。基本要素有三：單純性、象徵性、自然性。相傳始於唐代，成於五代，盛於宋元，明清及近代以來續有發展。以筆法為主導，充分發揮墨法的功能。「墨即是色」，指墨的濃淡變化就是色的層次變化，「墨分五彩」，指色彩繽紛可以用多層次的水墨色度代替之。北宋沈括《圖畫歌》雲：「江南董源傳巨然，淡墨輕嵐為一體。」就是說的水墨畫。唐宋人畫山水多濕筆，出現「水暈墨章」之效，元人始用干筆，墨色更多變化，有「如兼五彩」的藝術效果。唐代王維對畫體提出「水墨為上」，後人宗之。長期以來水墨畫在中國繪畫史上占著重要地位。
院體畫
簡稱「院體」、「院畫」，中國畫的一種。一般指宋代翰林圖畫院及其後宮廷畫家比較工緻一路的繪畫。亦有專指南宋畫院作品，或泛指非宮廷畫家而效法南宋畫院風格之作。這類作品為迎合帝王宮廷需要，多以花鳥、山水，宮廷生活及宗教內容為題材，作畫講究法度，重視形神兼備，風格華麗細膩。因時代好尚和畫家擅長有異，故畫風不盡相同而各具特點。魯迅說：「宋的院畫，萎靡柔媚之處當舍，周密不苟之處是可取的。」（《且介亭雜文·論「舊形式的採用」》） 以張銓、江宏偉、賈廣鍵、趙蓓欣、喻慧等為代表的現代中青年畫家為現代院體畫的發展作出了一定的貢獻。
文人畫
亦稱「士夫畫」。中國畫的一種。泛指中國封建社會中文人、士大夫所作之畫。以別於民間畫工和宮廷畫院職業畫家的繪畫，北宋蘇軾提出「士夫畫」，明代董其昌稱道「文人之畫」，以唐代王維為其創始者，並目為南宗之祖（參見「南北宗」）。但舊時也往往藉以抬高士大夫階層的繪畫藝術，鄙視民間畫工及院體畫家。唐代張彥遠在《歷代名畫記》曾說：「自古善畫者，莫非衣冠貴胄，逸士高人，非閭閻之所能為也。」此說影響甚久。近代陳衡恪則認為「文人畫有四個要素：人品、學問、才情和思想，具此四者，乃能完善。」通常「文人畫」多取材於山水、花鳥、梅蘭竹菊和木石等，藉以發抒「性靈」或個人抱負，間亦寓有對民族壓迫或對腐朽政治的憤懣之情。他們標舉「士氣」、「逸品」，崇尚品藻，講求筆墨情趣，脫略形似，強調神韻，很重視文學、書法修養和畫中意境的締造。姚茫父的《中國文人畫之研究·序》曾有很高的品評：「唐王右丞（維）援詩入畫，然後趣由筆生，法隨意轉，言不必宮商而邱山皆韻，義不必比興而草木成吟。」歷代文人畫對中國畫的美學思想以及對水墨、寫意畫等技法的發展，都有相當大的影響。
漫畫
水墨漫畫，即構思上具有漫畫的特點，題材廣泛，或諷刺或贊美，但表現手法上運用中國傳統水墨畫技巧，兼具其雅緻。較之一般的漫畫，水墨漫畫更具有觀賞價值。它的出現 擴展了漫畫的表現、觀賞領域與品種。中國的水墨漫畫也涌現了很多優秀作者，如豐子愷、華君武、黃永玉、韓羽、方成、王成喜、畢克官、徐鵬飛、蔣文兵、何韋、常鐵鈞、徐進、白善誠、等人，同時也涌現了許多優秀作品。
花鳥畫
（1）花鳥畫的歷史進程
在魏晉南北朝之前，花鳥作為中國藝術的表現對象，一直是以圖案紋飾的方式出現在陶器、銅器之上。那時候的花草、禽鳥和一些動物具有神秘的意義，有著復雜的社會意蘊。人們圖繪它並不是在藝術范圍內的表現，而是通過它們傳達社會的信仰和君主的意志，藝術的形式只是服從於內容的需要。
人類早期對花鳥的關注，是孕育花鳥畫的溫床。史書記載，魏晉南北朝時期已有不少獨立的花鳥畫作品，其中有顧愷之的《鳧雁水鳥圖》、史道碩的《鵝圖》、陸探微的《半鵝圖》、顧景秀的《蟬雀圖》、袁倩的《蒼梧圖》、丁光的《蟬雀圖》、蕭繹的《鹿圖》，如此等等可以說明這一時期的花鳥畫已經有了一定的規模。雖然現在看不到這些原作，但是通過其他人物畫的背景可以了解到當時的花鳥畫已具有相當高的水平，如顧愷之《洛神賦圖》中的飛鳥等。
墨僧寫意花鳥畫 這一時期的花鳥畫較多的是畫一些禽鳥和動物，因為它們往往和神話有一定的聯系，有的甚至是神話中的主角。如為王母搗葯的玉兔，太陽中的金烏，月宮中的蟾蜍，以及代表四個方位的青龍、白虎、朱雀、玄武等。一般說花鳥畫在唐代獨立成科，屬於花鳥范疇的鞍馬在這一時期已經有了較高的藝術成就，現在所能見到的韓乾的《照夜白》、韓滉的《五牛圖》以及傳為戴嵩的《半牛圖》等，都表明了這一題材所具有的較高的藝術水準。
而記載中曹霸、陳閎的鞍馬，馮紹正的畫鷹，薛稷的畫鶴，韋偃的畫龍，邊鸞、滕昌佑、刁光胤的花鳥，孫位的畫松竹，不僅表現了強大的陣容，而且各自都有傑作。如薛稷畫鶴，杜甫有詩贊曰：「薛公十一鶴，皆寫青田真。畫色久欲盡，蒼然猶出塵。低昂各有意，磊落似長人。」
（2）花鳥畫的畫法
花鳥畫的畫法大致可分為二類：工筆花鳥；寫意花鳥。昆蟲亦有工、寫之分。表現的方法有：白描（又稱雙勾）、勾勒、勾填、沒骨、潑墨等等。他和山水一樣，有悠久的歷史。花鳥畫的學習步驟不外乎臨摹、寫生、創作。表現的主題有：竹、蘭、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鳥有：雞、鵝、鴨、仙鶴、杜鵑、翠鳥、喜鵲、鷹；昆蟲有：鸚鵡、蝴蝶、豐、蜻蜓、蟬，雜蟲有：蟈蟈、蟋蟀、螞蟻、蝸牛、蜘蛛等。
新文人畫
新文人畫，即「中國新文人畫」指20世紀80年代末90年代初中國藝術界出現的一種文化現象。
1996年北京畫家邊平山經常同福州畫家王和平、河北畫家北魚在邊平山先生的「平山書屋」聚晤聊天，由於在藝術見解和追求上有許多共同之處，故萌發了發起中國畫聯展的想法。後又與南京畫家王孟奇、方駿等商定，由天津畫家霍春陽在天津美院展覽館操辦此次展覽，這樣，便是「新文人畫」的開端。
後來全國各地的畫家如：朱新建、劉二剛、王鏞、徐樂樂、朱道平、陳平、田黎明、江宏偉等響應並加入進來，成為一種在全國很有影響的文化現象。「新文人畫」同「』85新潮」、「星星畫展」等成為20世紀80年代、90年代中國藝術史的輝煌一頁。
[編輯本段]國畫的特點
造型特徵和表現方法
中國畫在觀察認識、形象塑造和表現手法上，體現了中華民族傳統的哲學觀念和審美觀，在對客觀事物的觀察認識中，採取以大觀小、小中見大的方法，並在活動中去觀察和認識客觀事物，甚至可以直接參與到事物中去，而不是做局外觀，或局限在某個固定點上。它滲透著人們的社會意識，從而使繪畫具有「千載寂寥，披圖可鑒」的認識作用，又起到「惡以誡世，善以示後」的教育作用。即使山水、花鳥等純自然的客觀物象，在觀察、認識和表現中，也自覺地與人的社會意識和審美情李可染作品趣相聯系，借景抒情，托物言志，體現了中國人「天人合一」的觀念。
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8. 中國畫意境畢業論文參考文獻
相對西洋畫來說，中國畫有著自己明顯的特徵。傳統的中國畫不講焦點透視，不強調自然界對於物體的光色變化，不拘泥於物體外表的肖似，而多強調抒發作者的主觀情趣。中國畫講求「以形寫神」，追求一種「妙在似與不似之間」的感覺：而西洋畫呢？則講求「以形寫形」，當然，創作的過程中，也注重「神」的表現。但它非常講究畫面的整體、概括。有人說，西洋畫是「再現」的藝術，中國畫是「表現」的藝術，這是不無道理的。
中國畫與西洋畫相比有著自己獨特的特徵，還表現在其藝術手法、藝術分科、構圖、用筆、用墨、敷色等多個方面。按照藝術的手法來分，中國畫可分為工筆、寫意和兼工帶寫三種形式。工筆就是用畫筆工整細致，敷色層層渲染，細節明徹入微，用極其細膩的筆觸描繪物象，故稱「工筆」。而寫意呢？相對「工筆」而言，用豪放簡練的筆墨描繪物象的形神，抒發作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少勝多的含蓄意境，落筆要准確，運筆要熟練，要能得心應手，意到筆到。兼工帶寫的形式則是把工筆和寫意這兩種方法進行綜合的運用。
從藝術的分科來看，中國畫可分為人物、山水、花鳥三大畫科，它主要是以描繪對象的不同來劃分的。而中國畫中的畜獸、鞍馬、昆蟲、蔬果等畫可分別歸入此三類。
中國畫在構圖、用筆、用墨、敷色等方面，也都有自己的特點。中國畫的構圖一般不遵循西洋畫的黃金律，而是或作長卷，或作立軸，長寬比例是「失調」的。但它能夠很好表現特殊的意境和畫者的主觀情趣。同時，在透視的方法上，中國畫與西洋畫也是不一樣的。透視是繪畫的術語，就是在作畫的時候，把一切物體正確地在平面上表現出來，使之有遠近高低的空間感和立體感，這種方法就叫透視。因透視的現象是近大遠小，所以也常常稱作「遠近法」。西洋畫一般是用焦點透視，這就像照相一樣，固定在一個立腳點，受到空間的局限，攝入鏡頭的就如實照下來，否則就照不下來。中國畫就不一定固定在一個立腳點作畫，也不受固定視域的局限，它可以根據畫者的感受和需要，使立腳點移動作畫，把見得到的和見不到的景物統統攝入自己的畫面。這種透視的方法，叫做散點透視或多點透視。如我們所熟知的北宋名畫、張擇端的《清明上河圖》，用的就是散點透視法。《清明上河圖》反映的是北宋都城汴梁內外豐富復雜、氣象萬千的景象。它以汴河為中心，從遠處的郊野畫到熱鬧的「虹橋」；觀者既能看到城內，又可看到郊野；既看得到橋上的行人，又看得到橋下的船；既看得到近處的樓台樹木，又看得到遠處縱深的街道與河港。而且無論站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋畫焦點透機的方法去畫，許多地方是根本無法畫出來的。這是中國的古代畫家們根據內容和藝術表現的需要而創造出來的獨特的透視方法。
在用筆和用墨方面，是中國畫造型的重要部分。用筆講求粗細、疾徐、頓挫、轉折、方圓等變化，以表現物體的質感。一般來說，起筆和止筆都要用力，力腕宜挺，中間氣不可斷，住筆不可輕挑。用筆時力輕則浮，力重則飩，疾運則滑，徐運則滯，偏用則薄，正用則板。要做到曲行如弓，直行如尺，這都是用筆之意。古人總結有勾線十八描，可以說是中國畫用筆的經驗總結。而對於用墨，則講求皴、擦、點、染交互為用，干、濕、濃、淡合理調配，以塑造型體，烘染氣氛。一般說來，中國畫的用墨之妙，在於濃淡相生，全濃全淡都沒有精神，必須有濃有淡，濃處須精彩而不滯，淡處須靈秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之經驗，亦有惜墨如金的畫風。用墨還要有濃談相生相融，做到濃中有淡，淡中有濃；濃要有最濃與次濃，淡要有稍談與更淡，這都是中國畫的靈活用筆之法。由於中國畫與書法在工具及運筆方面有許多共同之處，二者結下了不解之緣，古人早有「書畫同源」之說。但是二者也存在著差異，書法運筆變化多端，尤其是草書，要勝過繪畫，而繪畫的用墨豐富多彩，又超過書法。筆墨二字被當做中國畫技法的總稱，它不僅僅是塑造形象的手段，本身還具有獨立的審美價值。
中國畫在敷色方面也有自己的講究，所用顏料多為天然礦物質或動物外殼的粉未，耐風吹日曬，經久不變。敷色方法多為平塗，追求物體固有色的效果，很少光影的變化。
以上談的中國畫的特點，主要是指傳統的中國畫而言。但這些特點，隨著時代的前進。藝術內容和形式也隨之更新，並不斷地發生變化。特別是「五四」之後，西洋畫大量湧入，中國畫以自己寬闊的胸懷，吸收了不少西方藝術的技巧，豐富了中國畫的表現力。但是，不管變化如何，中國畫傳統的民族的基本特徵不能丟掉，中國畫的優良傳統應該保持並發揚光大，因為中國畫在世界美術領域中自成獨特的體系，它在世界美術萬花齊放，千壑爭流的藝術花園中獨放異彩。中國畫是我們民族高度智慧、卓越才能和辛勤勞動的結晶，是我們民族的寶貴財富。
中國畫從形式上區分，大致可以歸納為工筆畫和寫意畫兩大類。其中工筆畫的產牛源遠流長，並有過輝煌的成就。1972午春在湖南長沙馬王堆西漢(元前206—公元25年)墓中發現的漢代帛畫，就顯示出工筆畫的高超水平。在唐代(公元618—907午)以前，工筆畫可以說足中國繪畫的主體。至宋代(公元960—1279午)工筆畫和寫意畫雖然並重，但工筆畫仍然佔有一定的優勢。只是到了元(公元1271—1368午)、明(公元1368—1644年)時期，某些文人畫家崇尚寫意手法，提倡水墨畫而致使工筆畫口趨衰微。然而發展到了近現代，人們受新文化運動的影響， 一些有識之士提出了革新中國畫之後， 工筆畫才逐漸有了轉機，不過中國工筆畫藝術真正得到復興還是在現代。 1949年新中國成立之後， 國家重視民族藝術，提出了「百花齊放、推陳出新」的文藝創作方針， 中國畫也隨著整個文藝事業的發展進入了—個新的發展時期。不少畫家在傳統中國畫以及年畫、連環畫、壁畫等領域中，廣泛地採用廠工筆畫技法，在實踐中取得了可喜的成績。出現了如《考考媽媽》(姜燕作)、《西廂記》(王叔暉作)、《大鬧天宮》(劉繼鹵作)、《同歡共樂》(劉文西作)、《玉蘭黃鸝》(於非間作)等優秀作品。不過由於畫壇積習甚深，致使工筆畫這一畫種尚未達到人們應有的重視程度。到了20世紀80年代中國大地才真正迎來了藝術的春天。這時工筆畫藝術才得以顯現出其蓬勃的生機。當今的工筆畫創作題材廣泛、形式多樣，既有反映古歷史題材或貼近現實生活內容的人物畫， 又有意境清新、別開牛面的山水畫以及牛機盎然、栩栩動人的花鳥畫；畫家們在藝術和技法的運用上也爭相展示各自的特色， 並皆有所創新。更為可貴的足，畫家們在實踐與創新的過程之中，越來越發現工筆畫藝術及其技法有著極大的潛能，其表現力之強、適應性之廣，使其有著廣泛的群眾基礎，也必然會有無限廣闊的前途。
藝術反映時代， 當今的工筆畫藝術足在繼承優秀傳統的同時加以創造和革新的，它融進了新的內容和形式，在整體上真正展現出了時代的風采和面貌。這本畫冊正足反映這轉變發展時期工筆畫的藝術風貌。
中國畫構圖的特點 1.散點透視 2.平面布置 3.隨「意」組合 4.詩書畫印 5.立軸、長卷、扇面、...
構圖，傳統繪畫中稱為章法，現代繪畫中稱為構成，新老觀念雖有不同，但基本含義還是共通的。人生活在時間與空間之中，現實世界的時間是流逝的、無限的，空間是三維立體的，無邊無界的；而人的創造物——繪畫，就時間而言是凝固的、有限的，就空間而言是二維平面的，有邊界的。這兩者是如此地截然不同，卻又有著最密切的對應聯系。所謂構圖，就是將無限的立體結構轉換成有限的平面結構。這種轉換過程，本質上是一個創造過程。尤其是現代繪畫，這種轉換以純粹創造的外表顯示出來，生活與藝術之間的聯系就更為抽象了。
9. 論文:中國傳統吉祥圖案在現代設計中的運用
中國有五千年燦爛的文化積淀，而傳統的工藝美術是獨一無二的東方文明，中國傳統工藝美術是中國人民為滿足自己的物質需要和精神需要。中國工藝美術以其悠久的歷史、別具一格的風范、高超精湛的技藝和豐富多樣的形態，為整個人類的文化史譜寫了充滿智慧和靈性之光的一章。雖然工業設計逐漸由中國製造走向中國創造，但要把傳統的工藝美術巧妙的應用到現代工業設計中，隨著中國國力和世界影響力的增強，中國的現代工業設計才不會迷失了自己，才會更鮮明的走向世界。
關鍵詞：中國傳統工藝美術 現代工業設計 融入潛力 重要組成 必要性
正文 我們應該擔當起怎樣的責任，我們又被時代賦予了怎樣的責任，我們應該怎樣去做才能不辱使命。怎樣將中國傳統工藝美術融入現代產品設計中，這是所有未來工業設計師所應該思考的問題。面對我國正在蓬勃發展的設計事業，我們在學習世界設計的同時應當開辟出一片有著中國特色的工業產品設計領域，將我們中華文化融入現代工業產品的設計之中。
中國傳統工藝美術蘊含現代工業設計理念 論文網 www.lwkoo.cn 畢業論文
中國傳統工藝美術歷經時代的滄桑，在無數先輩努力下，經過數千年實踐的錘煉，才有了今天涉及我們生活方方面面，及政治.經濟.文化等各個領域的中國傳統工藝美術。中國傳統工藝美術自古以來通過對自然萬物的尊重、承認和包容，通過溝通、協調而達到和諧統一的風格。直至今日，隨著科技的進步，生產力的發達，自然的平衡卻已經打破，此時人們才意識到人與自然和諧相處的重要性，提倡環保、綠色設計、人性化設計等等。
中國傳統工藝美術的這一深厚底蘊深刻的揭示了人與自然的關系以及現代工業設計的發展方向，如何將先人千年來總結的中國傳統工藝美術的規律與成果運用到今天的現代產品設計，將是一個值得我們研究和深思的話題。
中國傳統工藝美術是世界工藝美術的重要組成。
中國人口之眾，中國文化早已向世界各地傳播，影響深廣，其市場潛力是不可估量的。中華文化對世界的影響之大，以及其在世界文化中所佔比重之最也就決定了將中華文化融入現代產品設計的價值前景是無限的，潛力是無窮的。
如《眾神聚宴》，是文藝復興早期義大利威尼斯派最傑出的畫家之一的喬凡尼·貝利尼 (Giovanni Bellini,1430-1516年)所作，是文藝復興時期人們嚮往的理想世界的寫照。畫中值得一提的是，諸神所用的器皿均是中國宋代燒制的青花瓷，可見當時中國傳統工藝美術的名聲遠播以及那個時代的西方人對中華文明的崇拜和神往。
中國傳統工藝美術中的設計元素中充滿生命活力之美。紋飾裡面的動物紋主要是繼承和發展了原始的圖騰。如所反映的夔龍紋、夔鳳紋等等，都是根據中華民族所崇拜的吉祥神聖之物的龍、鳳等演變而來的，風格怪異，並且具有明顯的原始社會圖騰崇拜的標記。
龍紋是中華民族最吉祥、最神聖的紋飾，它的形象不是在青銅器上才出現的，遠在新石器時代就已有龍的萌芽。在青銅時代，龍的真正形象出現了。它是多種動物形象的綜合體，是一種經古代人民創造性想像而產生的怪異而神秘的動物形象。它最初的原形主要是以蛇為主，因為在中國古代有龍蛇互化之說：「龍或時似蛇，蛇或時似龍」等說法。而龍的形象在商周青銅器中並不少見，它把表現的每一個部分都抽象化了，並且還有選擇性的進行了強化。
鳳最初的形象是玄鳥（玄鳥是中國上古東夷族的圖騰），和龍一樣，它也是上古人民想像出來的一種動物，也是一個綜合了多種動物的形象而創造出來的神鳥。它的羽毛是吸收了孔雀的形象特徵，它尖銳的爪子是取自愈兇猛的鷹。《韓詩外傳》里就有關於鳳的描述，「夫鳳之象，鴻前而鱗後，蛇頸而魚尾，龍紋而龜身，燕頷而雞啄。」它也是吸收和融合了別的氏族的文化。但是這里的鳳紋變化極多，可與夔龍紋相媲美，也給人一種神秘感中國五千年文明的發展，無論是宮廷美術還是民間美術，無論是文人畫還是宗教畫，經過歷代的畫家、藝人、工匠的創作實踐，積累了大量豐富多樣的藝術表現手法和表現形式。從新石器時代的彩陶到殷商時期的青銅，從戰國時期的器皿、帛畫到漢代的雕塑畫像石，從唐宋的繪畫到明清的瓷器 ，以及民間廣為流傳的剪紙、木版年畫、建築、紋飾、戲裝、面具等等，充分體現了或恢弘靈巧，或簡約或精緻，或工整或粗放或熱烈或娟秀，或質朴或奢華等多種手法。無論是逸筆草草的國畫筆墨還是板刻結圓的裝飾圖案；無論是造型誇張的民間剪紙還是色彩強烈的木版年畫，這一切無不為現在工業設計提供著豐富的表現形式和圖式裝飾語言。在我國歷史上，農業社會留下過豐富的歷史遺產，今天我們游覽和保護的許多歷史遺跡，在當年都是社會生產不可或缺的工具或建築。要走出一條「民族個性」的道路，就必須根植於民族文化土壤中，向傳統工藝美術學習，並進行具有創造性的轉化，使中華傳統設計元素用在當代工業設計中既具有「民族個性」又有「時代性」，這樣，我們工業設計才能真正走「國際化」。論文網 www.lwkoo.cn 畢業論文
中華傳統藝術在經過漫長的歷史凝煉後，逐步形成各具典型文化內涵的圖形和紋飾。他們包括人物、植物、動物、圖騰、幾何符號等形式在內的圖像，以及一些流傳廣泛的典故、成語、傳說中的人物、景物，一些約定俗成的事物及組合。這些鄉土味濃郁的圖像元素是民族工藝美術的重要組成部分，如果將這些富有民族形式特徵的元素有機的組合到現代工業設計中，無疑會給單調枯燥的現代工業設計風格帶來一股清新的空氣。
中國傳統工藝美術融入現代工藝設計的必要性
信仰則是文化的重要組成部分，更是對傳統工藝美術的繼承和發展，沒有文化的根基信仰也將盪然無存。現代工業設計要中國傳統工藝美術的拋棄，整天跟著西方的屁股跑，也是沒有出路的。而且，隨著國外的設計興國的戰略而來的不單單是市場上出售的設計產品還有他們民族的文化內涵，這些文化正通過我們對他們產品的使用而深深的影響著我們的生活，甚至正在沖淡我們中國傳統工藝美術文明傳承。這難道不足以讓我們在先人的靈位前感到羞愧嗎？
因此將中國傳統工藝美術文明融入現代設計，創造出我們自己的工業設計文化以推動和延續中華文化是十分必要的。否則，中華民族將失去引以為傲的五千年文化，屆時我們又將憑借什麼立於世界之林？又有何面目自陳我們是炎黃子孫、龍的傳人？
因此，作為設計師必須善於抓住可以用於現代工業設計的精髓，融會貫通。而要想抓住傳統元素的精髓，則需要不斷的學習和在生活中的體會了。這一點，我覺得我們國家的教育方式以及應試教育的本質對於下一代關於傳統設計元素的學習和引導很不利。
將中華傳統設計元素融入現代產品設計並不是簡單的在產品表面繪制有中國傳統特色的圖案就可以了事的，文化在產品中的融入應該是一種精神文明和文化情感的融入，並且以產品本身為載體自然而然的表現出來，傳達出產品所承載的文化內涵，這也正是產品在經濟價值、審美價值之上的第三種價值——精神價值的體現。
結論
將中國傳統工藝美術中的設計元素融入到現代產品的設計中不單單是提升產品價值促進中國產品走向世界的催化劑，更是繼承和發揚中華文化的必經之路。倘若，我們沒能重視起我們的博大精深的中國傳統工藝美術中的設計元素，在設計上始終處於對西方的模仿甚至照搬上，那麼我們的工業設計事業將永遠落後於世界，我們的文化也很有可能在世界文化的沖擊下所消逝，到那時，我們留給後人的只能是五千年的憂傷。
參考文獻
1 杭間/何潔/靳埭強 主編 歲寒三友：中國傳統圖形與現代視覺設計[M] 山東畫報出版社2005
2 林毓生 著 中國傳統的創造性轉化 [M] 三聯書社 1997
3趙農 著 中國藝術設計史 [M]陝西人民美術出版社 2004年1月
4中國工藝美術史》湖北美術學院主著 張昕 劉茂平 左奇志 喻琴 著 湖北長江出版社2007不是我的原創，但我看了，原理一樣的，可以看一下應為中國傳統吉祥圖案也算是傳統工藝的之一